ARTE
NA ESCOLA: PARA ALÉM DO BELO E DO FEIO

ART IN THE SCHOOL: BEYOND THE BEAUTY AND THE UGLY

RESUMO

O presente texto tem como objetivo apresentar resultados parciais de um
projeto de dissertação desenvolvido no mestrado em Processos e Manifestações Culturais
da Universidade Feevale. Em um primeiro momento, apresenta as motivações
iniciais da pesquisa, emanadas de análises de questionários, aplicados em
uma escola na região metropolitana de Porto Alegre, cujas respostas apontam que ainda
sobrevivem concepções de arte influenciadas por valores gregos e
renascentistas. Após, efetiva-se uma revisão histórica sobre as concepções de
belo e feio da cultura ocidental, verificando suas relações com o campo da arte
e com a esfera da Educação em Artes Visuais. Nesse processo, foca as visões de
arte, de belo e feio que circulam no espaço escolar e investe na
problematização desses conceitos. Os referenciais teóricos são constituídos por
autores como Umberto Eco, Adolfo Sánchez Vásquez, Arthur C. Danto e Hegel, que contribuem para o entendimento das
origens e transformações das relações entre arte e beleza e, também, das posteriores
rupturas entre os dois conceitos. Entende-se que questionar “o que é arte” pode
contribuir para a reflexão sobre o papel da disciplina de arte na escola, o que
é possível por meio da experiência em sala de aula, aqui relatada, em diálogo
com os autores selecionados para a pesquisa.

Palavras-chave: Arte.
Belo. Cultura. Educação.
Feio.

ABSTRACT

This paper aims to present partial
results of a master’s thesis project carried out at the Graduate Program in
Processes and Cultural Manifestations, at Feevale University, in the state of
Rio Grande do Sul, Brazil. At first, it presents some initial motivations of
the study coming from the analysis of questionnaires applied at a school based
in the metropolitan region of Porto Alegre, whose answers point to the fact
that conceptions of art, influenced by Greek and Renaissance values, still
exist. Subsequently, a historical review on the conceptions of the beauty and
the ugly in Western culture is conducted, having in mind its relationship to
the field of art and Visual Arts Education. In this process, our study focuses
on the notions of art, beauty, and the ugly present in the school environment
and invests in the problematization of these concepts. Our theoretical
references include authors such as Umberto Eco, Adolfo Sanchez Vasquez, Arthur
C. Danto, and Hegel. They contribute to the understanding of origins and
changes of relationships between art and beauty and subsequent ruptures
regarding these two concepts. We understand that questioning ‘what is art’ may
contribute to the reflection on the role of art as a subject in the school,
which is possible through the classroom experience here reported, in a dialogue
with those authors.

Keywords: Art.
Beauty. Culture. Education. Ugly.

1 INTRODUÇÃO

O
presente trabalho integra a intenção de pesquisa de meu projeto de dissertação,
cuja execução ainda está em andamento, e iniciou com o propósito de um estudo das
origens e transformações das concepções culturais de beleza e feiura ocidentais
e seus impactos na maneira de pensar, ver e produzir arte. O primeiro passo
consistiu em uma análise crítica e reflexiva sobre como essas concepções repercutem
na Escola Básica, com base no posicionamento de que mudanças no modo de
conceber e produzir arte acarretam transformações na forma de “ensinar e
aprender” arte.

Ao
desenvolver a etapa prática do projeto de dissertação, a qual ocorreu por meio
de aplicação de questionários em escolas, percebeu-se que as visões dos alunos em
relação à disciplina de arte ou à arte são diversas. O resultado refutou a
hipótese inicial, baseada em uma experiência anterior, que apontava para uma
predominância de concepções atreladas ao belo. Desse modo, o trabalho está se
encaminhando para uma etapa que contempla os demais conceitos de arte e de
disciplina de arte que surgiram nas pesquisas dentro das escolas. Para tal,
estão sendo colocados em diálogo autores selecionados para o projeto, com o
objetivo de refletir sobre o papel da disciplina de arte na escola. Por outro
lado, o projeto não deixa de tratar da concepção de arte associada ao belo, a
qual também surgiu nas respostas dos alunos. Este artigo, especificamente,
trata das motivações iniciais que deram origem à pesquisa e que integrarão a
dissertação, ou seja, a percepção de que há concepções de arte atreladas à ideia
de belo e de feio, as quais são antigas e ainda circulam nas escolas. Desse modo,
analisa-se as respostas de determinados alunos surgidas em questionários
desenvolvidos enquanto eu ainda estava na Licenciatura em Artes Visuais, as
quais apontam preocupações que aproximam a arte com a ideia de cópia e, também,
de belo. Para isso, integram-se leituras e reflexões
desenvolvidas a partir de referenciais teóricos que abordam os temas do belo e do
feio na cultura ocidental, como as obras História
da beleza e História da feiura, de Umberto Eco. A obra Convite à estética, de Adolfo Sánchez
Vásquez, também é leitura importante, pois serve como embasamento para a
escrita sobre as concepções de belo e feio desde a Antiguidade Clássica até os
dias de hoje e seus diálogos com o campo da arte. O abuso da beleza, de Arthur C. Danto, é
referência para as reflexões sobre a ressignificação e/ou ruptura do belo na arte
moderna e contemporânea. Por fim, tem-se Hegel com Curso de estética: o belo na arte para abordar as ideias de dom,
talento ou vocação, as quais estão associadas ao pensamento que aproxima a arte
da cópia e da beleza.

Em um primeiro momento, o
artigo trata de uma experiência em uma escola na região metropolitana de Porto Alegre,
onde atuei como bolsista e, posteriormente, como estagiária. Nessa escola, a
principal atividade proposta aos alunos na disciplina de arte era o desenho.
Percebi que, para eles, o desenho era, geralmente, associado à cópia do real,
sofrendo julgamentos como “belo” ou “feio”.

Em seguida, apresenta-se uma
revisão histórica das concepções de arte, para que seja possível entender de
onde vieram os conceitos que interferem nas visões desses estudantes e como
estes se transformaram e continuam se modificando através dos tempos, ainda que
mantendo alguns valores.

Convém assinalar que, ao longo
da dissertação, pretende-se analisar os resultados de questionários aplicados
mais recentemente, com o intuito de refletir sobre “o que é a arte” e discutir sua importância e contribuições em sala de aula. Primeiramente,
no entanto, faz-se necessária a etapa da pesquisa que associa uma experiência
anterior em sala de aula com uma revisão histórica a partir dos conceitos
surgidos entre os alunos da disciplina de arte da escola em pauta, a qual é
trabalhada neste artigo.

2 DISPARADORES INICIAIS PARA UMA PESQUISA DE
DISSERTAÇÃO

O interesse por
desenvolver o presente trabalho se originou a partir de uma experiência que
tive em uma escola pública na região metropolitana de Porto Alegre, na qual
entrei por meio do Subprojeto PIBID Artes Visuais, da Universidade Federal do
Rio Grande do Sul[1] e à qual retornei, mais tarde, para cumprir o estágio
obrigatório de final de curso de Licenciatura em Artes Visuais da UFRGS. No PIBID,
o público envolvido era o do Ensino Médio, e o estágio abarcou tanto o ensino fundamental
quanto o médio. O desenho, naquela escola, era a principal modalidade de artes
trabalhada com os alunos pela professora titular. Durante o período de observação
das turmas, foi possível perceber certa preocupação, por parte dos alunos, em
atingir “realismo” nos desenhos, ou seja, havia uma crença de que “desenho bom”
significa desenho como “cópia do real”. Muitos deles inclusive se frustravam quando
não conseguiam alcançar tal meta. Ainda, ao fazerem comparações entre suas
produções, classificavam as mesmas em “desenhos bonitos” e “desenhos feios”.
Além, era senso comum na turma que, para saber desenhar, era necessário ter um
dom. Percebia-se que essa visão equivocada sobre a atividade fazia com que alguns
alunos se desencantassem pela disciplina de arte.
Um episódio, em especial, chamou minha atenção para a situação em pauta, ainda
durante a atuação como pibidiana: havia uma aluna com
a foto do Michael Jackson sobre sua classe, a qual ela utilizou como modelo
para tentar fazer um desenho de observação de seu ídolo. A menina iniciou a
atividade com um sorriso no rosto, como se estivesse diante de uma imagem e de uma
ação que lhe despertassem prazer. Entretanto, alguns minutos depois, ao perceber,
com frustração, que seu desenho não condizia exatamente com a imagem que tinha
em mãos, sua expressão mudou. Diante disso, ao término do período da disciplina
de arte e, claramente chateada, rasgou a folha, amassou-a e a colocou no lixo. Depois,
deixou a sala de aula em resmungos.

As percepções que apontam
que, nas turmas, havia uma preocupação com o desenho como cópia e, igualmente,
com o belo na arte, foram comprovadas pelos questionários respondidos pelos
alunos tanto durante minha experiência no PIBID quanto no estágio, apesar de os
documentos aplicados terem sido distintos em cada período, com perguntas
diferenciadas. Não foi por acaso que escolhi trabalhar com o desenho contemporâneo
com tais turmas, pois, desta forma, eu poderia apresentar outras visões de
desenho, seja na forma ou no conceito e, ao mesmo tempo, pensar a arte para
além do belo e do feio.

Ao final da minha atuação
como pibidiana, apliquei questionários aos alunos, com
o intuito de fazê-los avaliarem minhas aulas. Considero importante essa ação,
visto que ela permite que os estudantes possam expressar suas opiniões, as
quais, muitas vezes, são ignoradas. Além, é uma maneira de conhecer os alunos
para (re)pensar suas necessidades em sala de aula.
Nesse caso, é também uma forma de refletir sobre o papel da disciplina de arte
na escola, visto que as respostas fornecidas nos questionários revelaram que
muitos desses estudantes têm um histórico de aulas de artes semelhante ao meu e
de pessoas de gerações anteriores, ou seja, aulas que focam em desenhos como
cópias, em atividades para colorir uma imagem trazida pelo professor ou em
construir objetos decorativos para a escola ou para datas festivas. São
práticas que limitam o conceito de arte e a experiência com ela.

Ao serem questionados
sobre como foram as atividades desenvolvidas por meio do Subprojeto PIBID Artes
Visuais, as quais envolveram práticas de desconstrução do desenho tradicional e
aulas teóricas auxiliadas por vídeos, os estudantes responderam que foram
“aulas diferentes” e que puderam utilizar outros materiais além da canetinha e
do lápis de cor. Além disso, foi possível ampliar o conceito de arte para além
das formas tradicionais já conhecidas, como desenho, pintura e escultura.
Ainda, muitos alunos conseguiram perceber que o desenho não tem uma “forma
correta” e, sim, uma infinidade de formas possíveis e maneiras de fazê-lo, com
a utilização de outros materiais além do lápis e
do papel, como linhas e barbantes, que podem ser usados para fazer um desenho
tridimensional no pátio da escola. Por fim, foi compreendido, por eles, que o
belo pode ser uma opção na arte, e não uma obrigação.

Apresento, agora, para fins de comprovação, alguns dos apontamentos
feitos pelos alunos (Figuras de 1 a 6):

Figuras
1 e 2 – Digitalizações dos questionários respondidos pelos alunos

Fonte:
Arquivo da autora

Figura
3 – Digitalizações dos questionários respondidos pelos alunos

Fonte:
Arquivo da autora

Figuras
4 e 5 – Digitalizações dos questionários respondidos pelos alunos

Fonte:
Arquivo da autora

Figura
6 – Digitalizações dos questionários respondidos pelos alunos

Fonte: Arquivo da autora

No ano seguinte à
experiência relatada, continuei trabalhando com desenho contemporâneo no
estágio obrigatório da Licenciatura em Artes Visuais, porém, visando a
qualificação do processo, tendo por base minha experiência anterior. Além, as
atividades foram transformadas e adaptadas para as novas turmas e para as
necessidades do estágio obrigatório. Assim, a primeira aula já iniciou com um
questionário, o qual era focado em perguntas voltadas para a familiaridade que
os alunos tinham com a prática e para o conceito de desenho. Dentre as
diferentes visões que surgiram sobre desenho, surpreendeu-me como ainda circula
a ideia que ele (arte) deve estar relacionado ao realismo, ao talento e à
manifestação do belo. São noções antigas que, embora não precisem ser abandonadas,
podem e devem ser melhor debatidas. Algumas das respostas repercutiram diretamente
esse ponto de vista; outras, indiretamente, quando alunos afirmaram, por
exemplo, que desenho serve para enfeitar os lugares, ou quando relataram que se
esforçam para “desenhar da maneira certa”, que “não sabem desenhar”, que
desenho tem a ver com vocação ou dom, que não desenham porque sempre “fica
feio”, que o desenho deve agradar alguém ou deve servir para a nossa admiração.

Como feito anteriormente,
apresento alguns desses apontamentos, para fins de comprovação (Figuras de 7 a 23):

Figuras
7, 8, 9, 10, 11 e 12 – Digitalizações dos questionários respondidos pelos
alunos

Fonte:
Arquivo da autora

Figuras
13, 14, 15, 16, 17, 18 e 19 – Digitalizações dos questionários respondidos
pelos alunos

Fonte:
Arquivo da autora

Figuras
20, 21, 22 e 23 – Digitalizações dos questionários respondidos pelos alunos

Fonte:
Arquivo da autora

Se a arte está limitada
ao dom, ao belo e à “imitação do real”, pergunto: para que arte na escola? É
possível notar, por meio das respostas, que existem alunos que não desenham ou
que não gostam de desenhar e, até mesmo, não se identificam com a disciplina de
arte porque acreditam que não têm o talento necessário e que tudo o que fazem
“fica horrível”. Sabe-se que a disciplina de arte pode criar um universo muito
mais amplo que o comumente apresentado. As visões expressas por esses alunos
não são específicas deles: elas podem ser encontradas inclusive em outros
países, os quais igualmente sofreram influências eurocêntricas do conceito de arte.[2]

Críticos, filósofos e
demais estudiosos que direcionam suas pesquisas ao campo da arte, encontram, na
Grécia Antiga, as origens das preocupações levantadas nesta seção.

3 O BELO E
O FEIO NA ARTE: BREVES NOÇÕES HISTÓRICAS

O objetivo desta seção
não é apresentar como são, exatamente, as formas da representação ou
manifestação do belo na arte em diferentes séculos. A intenção é apontar a
preocupação constante do ser humano ao longo da história da cultura ocidental,
em relacionar a arte com a beleza, independentemente de sua forma ou conceito.
Mais adiante, discute-se como essa relação deixou de ser tão estreita e como, por
consequência, o conceito de arte se tornou mais complexo.

Eco (2004) ocupa-se em
abordar o conceito de beleza da cultura ocidental em História da Beleza. Para ele, há diversos conceitos de beleza que entram
em conflito em diferentes épocas e, até mesmo, em uma mesma cultura. Esse
movimento, entretanto, não impede que a ideia de beleza tenha conservado, até
os dias de hoje, características constantes. Aquilo que é belo, frequentemente
está relacionado a algo que agrada aos seres humanos, de maneira que é possível
encontrar um laço entre o belo e o bom em diversas épocas históricas. Assim,
aquilo que é visto como belo varia de acordo com a época e a cultura. Todavia, “devemos
fazer um esforço para ver como diferentes modelos de Beleza coexistem em uma
mesma época e como outros se remetem mutuamente através de épocas diversas.”
(ECO, 2004, p. 14).

Para Eco (2004), uma
percepção mais clara do belo estético, na Grécia Antiga, formou-se no período
de ascensão de Atenas como potência militar, econômica e cultural. Na
escultura, objetivou-se expressar a beleza viva do corpo, buscando uma beleza
ideal, em harmonia com corpo e alma, ou seja, unindo a beleza das formas e da
bondade. Em relação a isso, Vázquez (1999) afirma que
a Grécia clássica viveu sob o império do belo, e que o feio dificilmente cabia
na arte desse período e, quando era forçado a aparecer, era representado de
forma idealizada. Era uma contradição para o grego admitir o feio na arte,
visto que ela devia ser bela.

Já na Idade Média, belos
eram os produtos que serviam a Deus, sendo a beleza terrena compreendida como
limitada, transitória e relativa. Desse modo, surgiram, na arte medieval, imagens
de cadáveres, monstros, doentes inválidos e velhos decrépitos, com o objetivo
de lembrar que a natureza desse mundo é precária e transitória, portanto, uma
beleza enganosa. A verdadeira beleza era a beleza divina (VÁZQUEZ, 1999). No
Renascimento, por sua vez, era importante a representação em perspectiva, sendo
esta considerada bela e agradável à vista. Para alcançar esse propósito, os
artistas se valiam de regras matemáticas específicas daquela cultura e daquele
período (ECO, 2004). Com isso, a beleza perdeu a relação com o divino, e os
artistas, então, criaram imagens belas com inspiração na natureza e no ser
humano e “quando deparam com uma realidade que não é bela por si mesma procuram
embelezá-la ao representá-la, embora isso implique desrealizá-la
ou idealizá-la.” (VÁZQUEZ, 1999, p. 196).

Entre os séculos XV e XVI,
a beleza foi entendida como imitação da natureza e como contemplação de um grau
de perfeição sobrenatural, sendo o artista um criador e, ao mesmo tempo, um imitador.
Nesse caso, havia uma obediência “a um ponto de vista subjetivo do observador,
que, em um certo sentido, acrescenta a Beleza contemplada pelo sujeito à
exatidão do objeto.” (ECO, 2004, p. 180).

No senso comum, desde a antiguidade,
o belo sempre está relacionado à proporção, que é acompanhada pela harmonia, pela
ordem e pela simetria; esta, presente em toda a arte grega e um padrão da
beleza da Grécia clássica (ECO, 2004). Um objeto harmônico, proporcional e
equilibrado provoca uma contemplação serena. Esse conceito de belo da
Antiguidade grega é retomado no Renascimento e, ainda, adotado na época moderna
(VÁZQUEZ, 1999). Beleza e proporção parecem ter sido discutidas em todos os
séculos, mesmo que a concepção de ambas tenha se transformado em cada época. No
decorrer dos tempos, existiram diversas ideias dessas qualidades, visto que “a
proporção entendida pelos primeiros escultores gregos não era a mesma de Policleto, as proporções musicais em que pensava Pitágoras
não eram as mesmas em que pensavam os medievais, pois diversa era a música que
estes consideravam agradável.” (ECO, 2004, p. 94). Tal visão não impede, por
exemplo, que surja um gosto pelo irregular, como ocorreu na metade do século
XVIII, quando a ruína é apreciada pela incompletude e pelos sinais que o tempo
deixa nelas: na vegetação, nos musgos, nas fissuras. Anteriormente, o
Renascimento se interessou pelas ruínas da antiguidade grega pelo fato de, por
meio delas, ser possível imaginar a forma acabada das obras originais (ECO,
2004).

As obras de arte refletem
a cultura de uma sociedade e o período histórico a que pertencem. Quando ocorre
um fato que modifica a ideia de identidade dos sujeitos, modificam-se, também, os
sistemas de perspectiva nas pinturas, por exemplo. Nesse sentido, uma crise do
saber pode levar à busca de uma beleza cada vez mais complexa, o que é o caso do
Barroco. Esse movimento artístico foi impactado pela descoberta de que o ser
humano não é o centro do universo, conquista alcançada graças ao avanço das
ciências físicas e astronômicas. É por isso que há, nesse momento, “uma
expressão dessa dramatização da vida, estreitamente ligada à busca de novas
expressões da beleza; o estupefaciente, o surpreendente, o aparentemente desproporcionado.”
(ECO, 2004, p. 228). Segundo Eco (2004), os estudos de Copérnico e Kepler dizem
que os corpos, no firmamento, remetem um ao outro em relações cada vez mais
complexas. Assim, uma beleza dramaticamente tensa toma o lugar de uma que, até
então, no período clássico, era imóvel e inanimada. São os reflexos das
descobertas dos cientistas que desdobram todo o universo, levando à
complexidade, visto que as leis celestes não são mais simples harmonias
clássicas.

Abordou-se, até o
momento, a predileção pelo belo na arte, ao longo da história. Por outro lado,
o próprio Eco (2007) reconhece que as manifestações do feio através dos séculos
são mais ricas e imprevisíveis do que normalmente se pensa. Para o autor, em
geral, a imagem que se tem do mundo grego é estereotipada. Essa visão teria
sido criada no período neoclássico, quando se idealizou os antigos, ignorando
que eles também trabalharam com imagens de seres desproporcionados. Eco observa
que os gregos também se interessavam pela feiura e pela maldade:

Na
cultura grega restam, porém, as zonas subterrâneas onde são praticados os
Mistérios e os heróis (como Ulisses e Enéas) aventuram-se nas névoas sinistras
do Hades, do qual Hesíodo já nos contava os horrores.
A mitologia clássica é um catálogo de inenarráveis crueldades: Saturno devora
os próprios filhos; Medéia os massacra para vingar-se do marido infiel; Tântalo
cozinha o filho Pélops e serve sua carne aos deuses
para desafiar sua perspicácia; Agamemnon não hesita em sacrificar sua filha
Ifigênia para agradar aos deuses; Atreu oferece a Tiestes a carne de seus filhos; Egisto mata Agamemnon para
roubar-lhe a esposa Clitemnestra, que será morta por seu filho Orestes; Édipo,
embora não o soubesse, comete tanto parricídio, quanto incesto... É um mundo
dominado pelo mal, no qual as criaturas, mesmo as belíssimas, realizam ações
“feiamente” atrozes. (ECO, 2007, p. 34).

Segundo Eco (2007), nesse
universo criado pelos gregos, vagam seres híbridos e, por isso, assustadores e
odiosos. Um exemplo disso são as sereias, compostas, na parte inferior do
corpo, por asas e patas de aves de rapina. Esses seres foram pintados em vasos,
recuperando a história de Ulisses e as sereias. Adiante, na Idade Média madura, a
representação da crucificação celebrou, por meio do sofrimento, a humanidade de
Cristo. Essa celebração do divino por meio da dor e da feiura “encorajou outros
tipos de feiura exasperada para fins moralistas e devocionais, das imagens da
morte, do inferno, do diabo e do pecado àquelas do sofrimento dos mártires.”
(ECO, 2007, p. 52). Parece, então, uma busca pelo belo por meio do feio. Vázquez (1999) lembra que, no Renascimento, período em que
também “reina o império da beleza”, Leonardo da Vinci desenhou caricaturas de
pessoas disformes ou com expressões feias em seus rostos. Segundo esse autor, o
feio entrou na arte, de fato, apenas no século XVII, quando apareceu com seu
próprio ser ou com sua realidade própria, sem se converter em seu oposto. Surgiram,
então, conforme o que se considerava feio na época, imagens de bufões,
mostrengos, mendigos, idiotas, etc. Desse modo, a pintura expressou um outro
ângulo da relação do ser humano com o mundo: “uma relação tensa, purulenta ou
desgarrada que não pode ser expressa com a serenidade e o equilíbrio emocional
do belo.” (VÁZQUEZ, 1999, p. 222). Como a história não é linear, o século
seguinte se apresentou preso à estética renascentista ou neoclássica e não
aceitou o terreno conquistado para o feio: “até que Goya e o romantismo sacudam
fortemente seus alicerces. O feio irrompe de novo, e agora não diminuirá seu
ímpeto até adquirir status de
cidadania estética com a arte contemporânea.” (VÁZQUEZ, 1999, p. 222).

Vázquez
(1999) defende que a arte não pode permanecer limitada ao modelo clássico, que dominou
a cena artística no Ocidente por mais de vinte séculos, com seus princípios de
harmonia, proporção, simetria e medida. O belo é apenas uma forma histórica,
assim como a arte como imitação ou reprodução do real é apenas um modo, dentre
outros, de produzir arte. Ainda, a função estética nem sempre foi considerada
dominante e exclusiva na arte. Diante disso, é possível perguntar se os
conceitos clássicos ainda influenciam a arte dos dias de hoje. Para Vázquez (1999, p. 198), “podemos dizer, sem rodeios, que
apesar dos ataques de que foi vítima o belo não desapareceu do cenário estético
e que inclusive subsiste – embora não reconhecido explicitamente – com certo
pano de fundo clássico ou classicista.” Para o autor, existe um “senso comum
estético” que vem desde o Renascimento e sobrevive
ainda hoje.

Na seção anterior, foi levantada
uma preocupação dos alunos de uma escola da região metropolitana de Porto
Alegre com o belo e a arte como representação do real. Compreende-se ainda
melhor tal inquietação quando se descobre que tais conceitos gregos e
renascentistas recentemente discutidos foram trazidos para o Brasil em 1816
pela Missão Francesa por meio do estilo neoclássico (MARTINS, 1992). São
valores que foram aplicados ao ensino e influenciaram as aulas de artes do país
com práticas que privilegiam cópias de modelos, habilidades técnicas e
representação do belo. Isso justifica o nome da escola construída, no Brasil,
por esses franceses: Academia de Belas Artes.

Falou-se das relações
entre beleza e arte e de arte como “representação do real” para entender certas
preocupações de determinados estudantes, porém faltou uma questão por eles
levantada: a ideia de dom, talento ou vocação. Foi necessário recorrer à Hegel
para tentar encontrar uma resposta que pudesse justificar essa atenção a uma
suposta “habilidade inata”.

Hegel (2009) assinala que a produção de obras
de arte não deve estar submetida somente ao cumprimento de regras, pois a arte
é uma atividade que envolve o espírito e, portanto, não se constitui em um
produto puramente mecânico. Para ele, a obra de arte é uma criação do gênio e
do talento. É necessário que a atividade artística, para ser eficaz e criadora,
seja fruto do inconsciente; a intervenção da
consciência prejudica a perfeição das obras. Assim, é a inspiração que guia a
produção artística. O gênio pode alcançar esse estado de inspiração por vontade
própria ou não. Essa visão sobre o fazer artístico prevaleceu durante o período
chamado da genialidade, iniciado na Alemanha por meio das obras de Goethe e de Schiller.
Gênio e talento são, então, dons naturais. Apesar disso, para o gênio ser
fecundo, é necessário um pensamento disciplinado e cultivado por um exercício
que leva tempo, visto que a obra de arte também exige uma técnica que só é
atingida pelo exercício. Ainda, há um meio infinitamente superior que manifesta
o divino na arte; então, a obra de arte não é uma criação unicamente humana: “a
ação de Deus no homem é mais conforme à verdade do que o domínio da
naturalidade pura e simples.” (HEGEL, 2009, p. 50). Segundo o autor, se o
talento artístico é, em parte, natural, manifesta-se cedo por meio de uma
destreza técnica que aponta um sinal precoce de uma predisposição natural. Para
ele, “a arte exige sempre, e em todos os casos, longos estudos, constante aplicação,
muito grande saber; mas, quanto mais ricos e vastos forem o talento e o gênio,
menos esforços se terão de fazer para adquirir a facilidade de que a produção
carece.” (HEGEL, 2009, p. 321).

É possível perceber que
Hegel não traz uma posição extrema em relação ao assunto: ele afirma que uma
obra de arte não depende apenas do dom e da inspiração do gênio, mas, também,
de estudo, tempo, dedicação e trabalho.

Atualmente, é possível
perceber, entre artistas, estudantes e professores de artes, opiniões que se
dividem em relação ao fazer artístico. Por um lado, há visões que defendem que
é totalmente incabível considerar o artista um gênio, dotado de um dom e iluminado
pela inspiração. Esse posicionamento é, inclusive, para muitos artistas, uma
ofensa. O argumento é de que, se ser artista é uma profissão, há investimento de
dinheiro, de tempo, de estudo, de dedicação e de muito trabalho. Sendo assim,
dizer que ele tem “talento” é desconsiderar tudo isso. Independente se tais
qualidades existem ou não, a conclusão a que se pretende chegar é, na verdade,
a de que um aluno de uma escola básica não precisa se preocupar em ter um dom
ou talento. A disciplina de arte na escola, atualmente, não faria sentido se essa
fosse a exigência.

Essas inquietações são
compreensíveis quando se percebe que, até o início do século XX, o belo
significava excelência artística e era a razão maior da arte. Entretanto, muitas
mudanças ocorreram desde então, e o belo, na arte, tem passado por outras
fases: ora condenado, ora considerado. Por meio de Danto
(2018), é possível compreender essa revolução contra a beleza, levada a cabo
pelos modernistas:

Se
não fosse, por exemplo, a vanguarda artística do século XX, é quase certo que
os filósofos continuariam a ensinar que a relação entre arte e beleza é
conceitualmente estreita. Foi necessária a energia da vanguarda artística para
abrir, entre a arte e a beleza, uma brecha que anteriormente seria impensável –
e, como veremos, permaneceu impensável bem depois de ter sido aberta, em grande
medida porque a relação entre arte e beleza era considerada detentora da força
de uma necessidade a priori. (DANTO,
2018, p. 32).

Como exemplo dessa
vanguarda, o autor cita o Dadaísmo, movimento artístico que se revoltou diante
de nações que se diziam civilizadas, mas protagonizavam uma guerra selvagem e
prolongada, como foi a primeira guerra mundial. Não podia ser aceito que uma
sociedade fosse tão violenta, essa que tanto prezava a beleza, elevando-a à
condição de um valor estimado, e que considerava, inclusive, a arte por ela ser
bela. O resultado da indignação foi uma arte que não pretendia atrair e, sim,
fazer gritar. Para Danto,

A
arte dadaísta era veementemente efêmera – cartazes, sobrecapas de livros, caligramas, panfletos, recitações –, como esperaríamos de
um movimento composto tanto por poetas quanto por artistas plásticos. Essas
coisas efêmeras, em sua própria efemeridade, eram o que Tzara
celebrava como “meios de combate”. Uma exposição de arte dadaísta poderia
consistir em pedaços de papel, instantâneos amarelados e uns poucos esboços do
Café Voltaire, de Zurique, onde tudo começou. O Dadaísmo recusa-se a ser
considerado belo – e essa é a sua grande significação filosófica quando
consideramos a narrativa consoladora segundo a qual, com a passagem do tempo, o
que era rejeitado como arte por não ser belo acaba se tornando credenciado como
belo e reivindicado como arte. (DANTO, 2018, p. 53).

Danto
(2018) aponta que Marcel Duchamp é o artista que mais
se destacou no trabalho de dissociar a estética da arte por meio dos ready-mades[3], entre 1915 e 1917. Na busca por
encontrar objetos sem nenhuma qualidade estética, o artista valeu-se de um
simples pente de metal, considerado o mais aestético
de todos os seus ready-mades.
Um objeto como esse não é nem belo e nem feio, mas funciona tão bem como
qualquer outro pente. Diante disso, é válido lembrar que a beleza ou a feiura
não está no objeto em si, mas na relação que o indivíduo estabelece com ele, o
que está de acordo com sua bagagem cultural. Outro trabalho de Duchamp é o urinol, que recebeu o título de Fonte e, segundo o conceito de ready-made, o objeto foi retirado
de sua função utilitária e inserido em um novo contexto, no caso, em uma
exposição de arte, para ser criado um outro pensamento em relação a ele. Mesmo
que o urinol seja considerado belo, a obra não foi elaborada com essa intenção.
Assim, o mesmo urinol pode ser belo dentro de uma casa, mas não necessariamente
em uma exposição de arte, espaço no qual ele adquire uma outra posição. Para Danto (2018, p. 110), Duchamp é
“o artista que buscou sobretudo produzir uma arte sem estética e substituir o
sensorial pelo intelectual.” Ainda, o autor enriquece a ideia, afirmando que “a
beleza faz parte da experiência da arte. No entanto, a experiência é
decididamente mais rica do que o ‘estremecimento retidiano’
contestado por Duchamp, não porque ele seja algo de
se envergonhar, mas porque há mais na arte do que excitações óticas.” (DANTO,
2018, p. 111).

A partir do exposto, é
possível compreender que uma boa arte não precisa mais ser bela, assim como não
precisa ser “imitativa” ou “cópia do real”. Parece, então, que, agora, a beleza
é uma opção do artista, e não mais uma obrigação, pois “o conteúdo constitui
uma condição necessária para a arte.” (DANTO, 2018, p. 138). Assim, fica
perceptível que a arte pode apresentar outros aspectos além do belo e do feio,
como questões sociais, psicológicas, filosóficas, morais, históricas,
religiosas e políticas, e ser, até mesmo, um instrumento de conhecimento. Além,
ela pode propor uma crítica ou uma experiência, sendo uma forma de se
relacionar consigo mesmo, com o outro
e com esse mundo que apresenta facetas tão diversas.

Considerações finais

O conceito de arte, de
belo e feio varia conforme a época e de acordo com as diferentes culturas. O
presente trabalho, ao abordar, brevemente, tais concepções, em diferentes
períodos históricos, aponta que elas se encontram em constante estado de transformação,
de modificação e de (re)construção. Percebe-se,
assim, que não existe uma verdade absoluta ou uma teoria universal sobre essas concepções,
o que permite que novas histórias da arte ainda sejam escritas.

Nessa corrente,
defende-se que mudanças no modo de conceber e produzir arte devem acarretar
transformações, também, na forma de “ensinar e aprender” arte. O modelo ainda
vigente em muitas escolas, baseado em conceitos carregados de valores gregos e
renascentistas, ou seja, em uma ideia de arte pautada na representação do real
e na expressão da beleza, precisa, portanto, ser problematizada.

Conforme mencionado no
início desse documento, as ideias aqui apresentadas constituem-se em intenções
para a pesquisa do projeto de mestrado, o qual ainda está em andamento, e os
próximos passos objetivam analisar outras concepções de arte que também
sobrevivem nas escolas e que são heranças de outros períodos históricos ou movimentos
artísticos. Entende-se que, a partir de uma reflexão crítica, é possível problematizar
as concepções de arte e de disciplina de arte que não dialogam mais com as
demandas contemporâneas, porém, sem desconsiderar suas contribuições. Assim, é
possível refletir, também, sobre o papel atual da disciplina de arte,
dialogando com a visão contemporânea tanto de arte quanto de educação, por meio
da qual é possível ressignificar e/ou ultrapassar conceitos antigos, trazendo
outros potenciais do campo de conhecimento em pauta para as salas de aula.

REFERÊNCIAS

DANTO,
Arthur C. O abuso da beleza: a
estética e o conceito de arte. São Paulo: WMF Martins Fontes, 2018.

ECO,
Umberto. História da beleza. Rio de
Janeiro: Record, 2004.

ECO,
Umberto. História da Feiúra.
Rio de Janeiro: Record, 2007.

HEGEL,
Georg Wilhelm Friedrich. Curso de
estética: o belo na arte. São Paulo: WMF Martins Fontes, 2009.

INSTALAÇÃO.
Definição. In: ENCICLOPÉDIA Itaú
Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2020.
Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo3648/instalacao>.
Acesso em: 20 de fev. 2020. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7.

MARTINS,
Miriam Celeste Ferreira Dias. Não sei
desenhar. Implicações do Desvelar/Ampliar do Desenho na Adolescência – uma
pesquisa com adolescentes em São Paulo. Dissertação (Mestrado em Artes) –
Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. São Paulo, 1992.

PORTAL
MEC. Pibid.
Disponível em: <http://portal.mec.gov.br/pibid>.
Acesso em: 20 fev. 2020.

READY-MADE.
Definição. In: Enciclopédia Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São
Paulo: Itaú Cultural, 2020. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo5370/ready-made>.
Acesso em: 20 de fev. 2020. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7.

VÁZQUEZ,
Adolfo Sánches. Convite
à Estética. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1999.

[1] O PIBID é o Programa Institucional de Bolsas de
Iniciação à Docência, que oferece bolsas aos alunos dos cursos de licenciatura
para atuarem nas escolas públicas, articulando educação superior e escolas de
ensino básico e preparando os graduandos para a futura carreira como docentes.
Tal união pode trazer melhorias no ensino nas escolas públicas de atuação do
PIBID, cujo o Índice de Desenvolvimento da Educação Básica (Ideb)
se encontra abaixo da média nacional (PORTAL MEC). No caso do Subprojeto PIBID
Artes Visuais da UFRGS, o propósito era realizar atividades em escola de
educação básica da rede pública, promovendo o desenvolvimento artístico em sala
de aula e espaços de educação continuada e envolvendo a comunidade escolar.

[2] Assinale-se,
entretanto, que, nas sociedades não ocidentais, “existiram tradições artísticas
inteiras nas quais a beleza nunca foi a questão central.” (DANTO, 2018, p. 48).

[3] O termo é criado por Marcel Duchamp (1887-1968) para designar um tipo de objeto, por
ele inventado, que consiste em um ou mais artigos de uso cotidiano, produzidos
em massa, selecionados sem critérios estéticos e expostos como obras de arte em
espaços especializados (museus e galerias). (ENCICLOPÉDIA ITAÚ CULTURAL).